Seminario de los miércoles

A partir del 2017 se inicia el Seminario Permanente de Investigación Artística (S.P.I.A.), en el Instituto de Artes Plásticas de la Universidad Veracruzana. De manera semanal, un grupo de estudiantes, egresados, profesores, investigadores se reúne para discutir textos específicos de la investigación artística y otras formas de producción de saber, al mismo tiempo que desarrollan su propio proyecto artístico. De manera que el seminario de los miércoles articula una doble función: por un lado, la crítica y puesta en colectivo de las herramientas de producción de conocimiento y, por el otro, orientar el trabajo artístico de los participantes hacia los marcos conceptuales de la investigación artística.

Investigadores invitados

ChispillaTronik (Claudia Castelán)

Doctora en Artes y Educación por la Universidad de Barcelona, ha desarrollado su perfil profesional en medios audiovisuales, docencia, investigación y práctica artística. Los temas en los que se ha desarrollado son la identidad, el feminismo, la performatividad y el posthumanismo. Su trabajo en la docencia ha estado direccionada a la reflexión teórica-práctica de la imagen así como el uso de herramientas audiovisuales para la producción de conocimiento social.

Galia Isabel González Rosas

Egresada de la licenciatura en Estudios e historia de las artes, de la Universidad del Claustro de Sor Juana, en 2016. Los temas de su interés son los estudios de performance y la crítica feminista del arte. Presentó en el año 2017 la ponencia “Abrir los ojos, estar despierta. La importancia de la mirada de la artista Débora Arango”, en el II Coloquio de Investigaciones sobre Mujeres y Perspectiva de Género, en la Universidad Autónoma de Zacatecas. También en el mismo año, presentó junto con Natalia Calderón la ponencia “Miradas corporeizadas, epistemologías subversivas”, en el IV Congreso Internacional de Teoría y Crítica Literaria Ibero: Des-Obediencias Corporales en las representaciones culturales, genéricas y sexuales, en la Universidad Iberoamericana. En el año 2016, participó en el Segundo Encuentro Universitario de Arte, Feminismo y Género, en la Universidad Autónoma de la Ciudad de México, con la ponencia “La poesía de la escuincla Breve revisión de las propuestas feministas en el arTV de Pola Weiss”. En 2013 publicó el artículo “Arte feminista en México”, en el libro “Género y diversidad cultural”, editado por la Universidad de Guanajuato.

Proyectos de los participantes

Joyce Martínez Medrano

Licenciada en Fotografía por la Universidad Veracruzana. Cuenta con exposiciones colectivas dentro del estado de Veracruz, Ciudad de México y la ciudad de Graz, Austria. Cuenta con talleres y laboratorios de producción de proyectos fotográficos, cinematográficos, de emprendimiento cultural y mercado del arte, a cargo de Maestros como Joan Fontcuberta y Othón Tellez. Ha cursado el seminario y diplomado en ATT por el Taller Mexicano de Arteterapia, generando proyectos con función social en instituciones y A.C.. Colabora con la publicación mensual “PUNCTUM” en la plataforma de Trasluzphoto, desde enero 2018. Es parte del Seminario Permanente de Investigación Artística del Instituto de Investigación de Artes Plásticas. Actualmente labora en el campo de la docencia a nivel universitario, y con diversos públicos, así como en la producción comercial y artística de forma independiente. 

Recuerdos compartidos. Imagen común. 

La memoria juega un papel fundamental en la narración de la historia de las personas de una comunidad y por tanto del proceso de construcción de su identidad, pero es a partir de los recuerdos (memorias que contienen un simbolismo emocional) que podemos asumir una identificación como individuo en conjunto o dentro de círculos mucho más pequeños como lo es la familia, amigos o con uno mismo.  La imagen fotográfica, con su carácter de instantaneidad, fue y es en gran medida el utensilio desde hace ya varias décadas asumido como predilecto para generar este registro, que busca inmortalizar los eventos enigmáticos para su “siempre” memorización a partir de su asociación. Momentos que jamás vuelven. Es justo en esta particularidad de eventos, que se han materializan en imágenes de recuerdo y que en la mayoría de los casos son construidas en la intimidad de círculos cercanos y emocionales donde recae una identificación colectiva, dichas memorias aunque nuestras e irrepetibles, resultan ser compartida pues culturalmente hemos desarrollado ciertos eventos significativos en común que sirven como anécdota de la historia y vida de cada uno de nosotros. 

La repetición y visualización de momentos de valor del otro y con nosotros, muestra que a pesar de ser construcciones en círculos específicos y cerrados por cierta emotividad compartida, nos vincula de forma común, al encontrar imágenes intimas que constan de cierto similitud pareciera que buscamos inmortalizar singularidades compartidas. A través del uso de las herramientas que provee la investigación artística se intenta generar un diálogo entre diversos autores y reflexiones personales, que posibilite examinar los puntos sensitivos y de carácter filosófico y social que se le han agregado a la imagen fotográfica del álbum familiar, para la formulación de planteamientos que ayuden a la producción de conocimiento al entendimiento de un espacio que construimos y afectamos de manera común.

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Talía Montiel Zacarías

Estudiosa de la imagen fotográfica, cinematográfica e interdisciplinaria. Interesada por los temas relacionados con el arte, la cultura y vida cotidiana. Es integrante del colectivo Oftálmica Cine. En 2014 fue seleccionada Talents Guadalajara dentro del Festival Internacional de Cine de Guadalajara. Ha sido Joven Creadora en el programa PECDA Veracruz en 2014 y 2018 con los proyectos “Los actores de la niebla” y “Habitar el recuerdo”, respectivamente. Le gusta viajar acompañada de su cámara y pasar algunas temporadas encerrada en su casa.

Habitar el recuerdo Intervención del álbum familiar 

 Busco en mi memoria alguna pista que me indique dónde está mi hogar, ese espacio cálido que conforta, donde soy y sé que puedo estar. He mudado de casa desde niña y lo sigo haciendo de adulta. Vuelvo a casa de la abuela, sigo buscando rastros de su presencia. Encuentro esa vieja caja de fotografías; brotan imágenes de mi madre, mis tíos y mi abuela, también de mi hermano, mi prima y de mí, muchas son fotografías de su infancia y juventud, hay pocos registros de su adultez, como si se hubiera detenido el tiempo, las cámaras digitales y las memorias SD significaron un cambio en la memoria de mi familia.  

Algo tienen esas fotografías que me resultan hipnóticas, como si quisiera meterme en ellas para descubrir algo que aún no sé qué es. Me llama la atención que en las tres generaciones; mi abuela, mi madre y yo, tenemos fotografías en la playa, fragmentos de nuestras vidas en Tamiahua  y el Puerto de Veracruz, en las que posamos con cálida sonrisa. 

Entonces comienzo a dibujar un mapa, colocando una fotografía junto a otra paso del monocromo sepia, al blanco y negro y termino en película a color. Trazo diferentes rutas, no sé a dónde voy, sólo sé que parto de los recuerdos de la infancia y el sonido del mar me acompaña. Me concentro en seguir las pistas de mis hermanas, las musas griegas: Polimnia, Urania, Terpsícore, Clío y yo, Talía. Sí, tías y primas llevamos nombres de musas, gracias a la tradición instaurada por mi abuelo José María.  

Pero eso no basta, sigo sin comprender cuál es el lazo que compartimos, si es que acaso tenemos uno. Ni el nombre, ni el apellido nos define. En el mar es donde sonreímos, pero fuera de él somos introvertidas con tonalidades distintas, en sí con poco lazo fraterno y mucho al trabajo.  Mi abuelo se encargó de ello, lo mismo que mi bisabuelo y tatarabuelo, todos educados y educadores de la vieja escuela: la letra con sangre entra.   

Entonces me pregunto ¿quiénes son ellas?, ¿qué épicas batallas han callado?,  ¿cuál es mi propia batalla? Quizá a mí me toca alzar la voz, y a partir de sus fotografías, reinterpretar sus vivencias, hoy apenas un recuerdo, no de quiénes fueron, sino de lo que ahora ellas significan para mí, y cómo yo me veo junto a ellas. Retomo la ruta del mapa, como una vía de autoconocimiento, intervengo sus fotografías, sin perder el monocromo las llevo a otro proceso fotográfico antiguo; la cianotipia, azul como nuestro escenario favorito.  Me detengo en los detalles de las posiciones y escenarios de cada retrato, como si quisiera recrear una atmósfera en la que pueda reconocernos a todas.  

Premisa 

El proyecto se basa en la intervención fotográfica de las imágenes de las mujeres de mi familia, observando puntos en común y opuestos. En las intervenciones trabajo monocromos en cianotipia, blanco y negro y sepia, con el objetivo de crear diferentes texturas que apelen a lo sensorial de mis recuerdos.  

Ahora estoy experimentando el incluir las ilustraciones de las musas griegas,  para averiguar, si en un sentido metafórico, logro resignificar nuestro lazo. También planeo  incluir texto que den cuenta de un posible relato.

Referentes: 

-El concepto de mapa de Franco Farinelli: ¿de dónde parto para hacer la investigación?, ¿cuáles son los límites del territorio?, ¿qué hay dentro y fuera de él? 

– Boaventura de Sousa Santos con la idea: todo conocimiento es autoconocimiento y  todo conocimiento es total y local, que en el caso de mi proyecto alude a las tradiciones propias de una familia en el siglo XX con las generaciones de mi abuela, madre y mía.  

-El estudio de la narrativa personal propuesto por Vivian Gornik:  ¿quién es el yo que habla en la historia? Un narrador que se muestra vulnerable y honesto.

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Luis Alberto Sánchez Ortíz / LASO

Productor de artes visuales. Licenciado en Artes Visuales por la Universidad Veracruzana, cuenta con diversos cursos en el ámbito de las artes.

Seleccionado en la 7a bienal nacional de pintura y grabado Alfredo Zalce con la pintura Sonrisa borrada. Ha desarrollado el proyecto Time Delete junto con el científico social Felipe Bustos, obtuvo mención honorífica en la 2a Bienal de arte de Veracruz por su pieza No se murieron…, Participó en la última edición del HAY Festival con sede en Xalapa como artista emergente y en el XXXV Encuentro Nacional de Arte Joven en Aguascalientes. Actualmente trabaja como Director de Arte en la Galería Puro Choro.

Sumándome a los creativos que utilizan la pintura y la gráfica como medios de expresión, mi producción se caracteriza básicamente por dos elementos: uno que corresponde con alguna investigación de contenido y otro que busca una reflexión estética o formal. Dispositivos que utilizo para reflejar situaciones de mi contemporaneidad, con la intención de registrar acontecimientos de interés común.

Me interesa vulnerar la concepción habitual y mecanizada de tiempo, mostrar la naturaleza violenta del humano así como sublimar lo absurdo de lo cotidiano ya que para mí el arte, lejos de secularizar, en el profanar, se sigue imprimiendo lo aural a lo humano.

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Gabriela Hernández Olivares

Licenciada en Artes Visuales por la Facultad de Artes y Diseño, UNAM, en 2015 cursa el Diplomado en Gestión Cultural en la Academia de San Carlos. En 2017 el Diplomado  Interdisciplinario  para  la  Enseñanza  de  las  Artes  en  la  Educación Básica, CENART, a su vez que participa en la 4ta muestra de libro de artista organizada por el MUAC y en la 6ta edición de Arte 40. En  2016 es seleccionada en el XXXVI Encuentro Nacional de Arte Joven y en la Bienal   UNAM   de   Artes Visuales. Ha   participado   en     exposiciones colectivas  en Academia  de San Carlos, UNAM, Casa Vecina, Museo de la Ciudad de México, Biblioteca Vasconcelos,  Palacio  de  Minería,  Museo  de  Antropología  de  Xalapa  y  V&S Gallery. Ha impartido talleres de Modelado en plastilina en el Centro de Artes y Oficios Tiempo Nuevo,Tlalpan; Dibujo y Escultura en Instituto Tecnológico de Iztapalapa III.

 

Sangre-fuego, carne-cera

El proyecto Sangre-fuego, carne-cera busca evidenciar la  diversidad de  colores y texturas  que un cuerpo puede contener, con la intención de provocar una reflexión crítica en torno a la discriminación por el color de piel que ejercemos a nuestros cuerpos.Propone a partir de diferentes soportes, bien sea la fotografía, escultura o  video, representar una diversidad de fragmentos del cuerpo humano. En la piel se vierten entonces todo un conjunto de disposiciones sociales que determinan y señalan como hemos de relacionarnos con nuestros cuerpos y con el de los otros, así vamos interiorizando estos discursos que finalmente se vuelven actitudes cotidianas, es entonces que se plantea la pregunta: ¿Ejercemos  actitudes o prácticas racistas en nuestros propios cuerpos? ¿Cómo lo hacemos?. En el desarrollo de la investigación se llevará una bitácora de trabajo que  incluya bocetos, fotografías, experiencias, análisis, anotaciones.

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Pablo Romo

Realizador, programador y experimentador  audiovisual, tallerista y productor cultural. Co-fundador y actual director del proyecto Oftálmica Cine. Su trabajo audiovisual abarca géneros como el documental, el video comunitario, la video creación, el video arte y la experimentación audiovisual. Ha impartido talleres de fotografía y video . Su trabajo audiovisual se ha exhibido en diversos sitios de México y el extranjero como: Alemania, Italia, Estados Unidos, Perú, Brasil, Argentina y Chile.

Fallas de Origen

Fallas de origen es un territorio de experimentación audiovisual que trabaja principalmente con material audiovisual reciclado. Fallas de origen surgió en 2016 como un espacio de creación audiovisual experimental, entendiendo lo experimental como la búsqueda constante de nuevas y diferentes formas y estructuras creativas, estéticas y discursivas que transgredan las barreras de los conceptos asociados al cine, el vídeo y las artes visuales. El proyecto trabaja principalmente con imágenes de archivo y material reciclado. Imágenes gráficas, fotográficas, documentos históricos, audios, películas y vídeos que proceden de diversas fuentes públicas o privadas, legales o ilegales generando un proceso de desmontaje y re-construcción de los discursos originales, los discursos son subvertidas de su propósito inicial provocando nuevas lecturas y fracturando las asociaciones y cargas simbólicas que puedan contener.

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Jonathan Farías

Desde hace poco más de tres años Jonathan Farías se ha dedicado a escribir en diferentes medios digitales e impresos sobre arte contemporáneo. En octubre de 2017 realizó la curaduría de una exposición de arte titulada “Obra Negra” en la Galería del mismo nombre. Obtuvo el “Premio Estatal de la Juventud Tlaxcala 2012” en la categoría “Expresiones artísticas” y una beca a través del Instituto Tlaxcalteca de la Cultura para realizar una serie de performance titulada “Las venas abiertas”. De 2011 a la fecha ha realizado performance en Tijuana, Ciudad Acuña, Xalapa, Hermosillo, Puebla, Oaxaca, CDMX y Tlaxcala. Su trabajo ha sido referido en el libro recopilatorio “Performance en los muchos Méxicos” compilado por Josefina Alcázar y editado por la UAM y en la revista “Tierra Adentro” n.175 en un ensayo sobre el performance en México.  Ha colaborado en más de 10 exposiciones colectivas de gráfica desde 2009 en CDMX, Puebla, Tlaxcala, Veracruz y Lima Perú, apareciendo en distintos catálogos del Taller de Estampa Básica y Avanzada Camaxtli. 

Autorretratos cartográficos 

“AUTORRETRATOS CARTOGRÁFICOS” dará cuenta de mis recorridos como una manera de construir mi retrato, mis autorretratos, mis diferentes rostros. ¿Quién soy? ¿Adónde pertenezco? ¿Cuáles son los elementos, gestos, materiales que hablan de mí? Con este proyecto busco que algunos de mis recorridos a pie, que suceden, no siempre de manera planificada, y que también son una especie de cartografía propia, me arrojen algún indicio de lo soy y con lo que me identifico. ¿Cuál es la identidad de un nómada, de un ser en constante movimiento? ¿Son los trazos del desplazamiento, que luego se incrustan en los mapas, una posibilidad de identificar las líneas de un rostro, un ser, una persona concreta? 

Este proyecto planea realizar una serie de autorretratos con la utilización de cartogramas con base a mi vida, sus experiencias y sus múltiples caminos. Descontextualizar las líneas que realizo con mis caminatas –que también son una forma de investigación interna, visual, sensorial, antropológica, biológica, psíquica, histórica, entre otras- para luego abordarlas desde la creación artística. Además de este trabajo plástico, armaré una bitácora para cada “recorrido” que incluirá las aproximaciones que iré realizando a la par de los “dibujos corpóreos”, es decir, tomando fotos, videos, sonidos o haciendo dibujos o interviniendo objetos o produciendo ideas, poemas o conceptos. 

El proyecto “AUTORRETRATOS CARTOGRÁFICOS” incluirá un texto sobre la investigación que el mismo arrojé. 

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Ricardo Martínez Méndez

Licenciado en Artes Plásticas por la Universidad Veracruzana actualmente cursando la Maestría en Pedagogía de las Artes por la Universidad Veracruzana. 

Su obra ha sido seleccionada en la 3° Bienal Internacional de Grabado y Estampa José
Guadalupe Posada 2015, así como en la 36° Mini Print Internacional de Cadaqués, España 2016, y se encuentra en colecciones como Fundación Cultural Trabajadores de Pascual y del Arte, A.C. Ha participado en diversas exposiciones plásticas colectivas e individuales como: Exposición de gráfica “Organismos Lineales” Galera AP de la Facultad de Artes Plásticas, Universidad Veracruzana, Xalapa, Veracruz, 2017. Exhibición de Grabados University of Houston Texas, Clear Lake, 2007. Tercera Muestra de Arte Joven Fundación Arturo Herrera Cabañas. Pachuca, Hidalgo, 2003. Ha colaborado en diversas publicaciones de divulgación científica como ilustrador y diseñador gráfico en el Instituto de Ecología A.C. Xalapa, Veracruz. 

Dispositivos didácticos 

Considero importante que el discurso en torno a la creatividad y los procesos creativos no sea disperso o alejado de los objetos que produce. 

En el interés por buscar o encontrar formas legibles de comunicar conocimiento útil para enseñar y aprender lenguaje visual surge la idea de construir artefactos o dispositivos que desde la simpleza apoyen la creación de mejores formas de pensamiento y comunicación en los lenguajes tanto verbales como visuales. 

El proyecto consiste en la creación de tres dispositivos que aporten una base para el estudio de la imagen en la dimensión de la sintaxis visual, siendo estos relativos al punto, línea y figuras geométrico – orgánicas. 

Estado actual de la investigación. 

He construido maquetas a manera de bosquejos para proyectar los dispositivos finales, durante este proceso y el avance en las sesiones del seminario descubrí conceptos importantes relativos a la simpleza y métodos de entendimiento que dieron origen a la construcción de dispositivos alternos al planteamiento, que a su vez funcionan como pretextos para la creación de dibujos. 

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Porfirio Carrillo Castilla

Biólogo por la Universidad Veracruzana. Doctorado en Ciencias por el Instituto de Neurobiología (INB) de la UNAM. Es desde 1985 investigador titular del Instituto de Neuroetología de la Universidad Veracruzana.

Ha participado con obra en tres exposiciones colectivas. Es profesor en el Doctorado de Neuroetología y en el Doctorado en Investigaciones Cerebrales. Tiene 25 publicaciones indexadas en el área de la conducta animal, 15 capítulos de libro y más de 50 publicaciones de divulgación sobre la conducta animal y el desarrollo de la Biología.

Animal No-cierto 

A lo largo del ascenso del hombre , hemos imaginado, descubierto, visto, interpretado, recreado, construido y reconstruido un mundo de relaciones biológicas  y culturales entre los animales y los humanos. Los animales originaron y crearon el arte, nuestra pintura, escultura, pero además son vestido, literatura, conocimiento, son  alimento, son fantasías.  

Si bien la biología, y particularmente la zoología (etología y neurociencias incluidas), describe esta cuasi milagrosa relación; es insuficiente. Hay que cambiar el punto de vista, pero no simplemente sustituirlo, hay que hacerlo dialogar con otras miradas, otros saberes, otros conocimientos, otros sentimientos. Nuestra convivencia y relación con otros animales no humanos no es nada más un asunto de análisis de la materia, es también una reflexión dada por y para el espíritu humano, de hecho yo sostengo, lo construye. Estoy absolutamente convencido que se necesita de una comprensión (una emoción incluso) más integral de esta relación, no para conocer a los animales, incluidos nosotros, sino para saber, acaso, cómo hemos ido evolucionando, biológica y culturalmente, cómo llegamos a este momento trágico, donde la vida biológica se extingue, donde el animal Homo se desdibuja en la extinción de los otros animales. Como ellos llegado a crear, utilizar y recrear un sin fin de animales simbólicos mientras ignoramos indiferentes ( o experimentando emociones que solo nos paralizan) la destrucción de los animales. 

 

COMIENZA EL VIDEO. 

 

Desde la razón y la imaginación , desde lo objetivo y lo subjetivo, desde el reduccionismo y la integralidad, del mito al rito,  del arte a la ciencia, pasando por la filosofía y la poesía,  vamos construyendo una narrativa múltiple, cambiante e incompleta de lo que hemos sido, somos y vamos siendo los seres humanos, yo mismo.  

Por lo leído, visto y discutido en el seminario (más el conjunto de ideas que traía desde la biología), entiendo que la herencia próxima, el legado que recibo para “ser” es lo animalmi cuerpo, junto con todos los demás procesos, fisiológicos, emocionales y cognitivos que de los animales heredamos. Gracias a la investigación que norma el seminario empiezo a entender que el cuerpo debe ser un objeto de constante reflexión para poder, desde él, atisbar muchísimas otras cosas; desde nuestra propia percepción y sensación corporal, hasta la construcción social de cómo se ven, sienten, analizan, perciben, asumen, ilustran , clasifican, etc., otros cuerpos, como los cuerpos animales. Sin ignorar que, en todo momento, nuestro cuerpo mismo condiciona nuestra manera de pensar, de entender, de imaginar, de crear. Abandonar la subjetividad para conocernos como lo quiere una parte de la ciencia, es mirarnos al espejo con los ojos cerrados.

Este proyecto es, principalmente, una reflexión visual sobre nuestra relación entre los animales. Es una reflexión sobre qué son para el animal humano los otros animales. Es una reflexión de cómo hemos creado animales y cómo los animales nos han creado. Es tratar de sentir y entender cómo hemos construido las ideas básicas de lo que son nuestros cuerpos.  

Preciso entender cómo hemos creado animales sin cuerpo (simbólicos) , preciso saber, no obstante la sobrerrepresentación de nuestros cuerpos, cómo es que  hemos olvidado que nuestro cuerpo es el de un animal. Estoy en una búsqueda más que un sitio de llegada. Una pregunta más que una respuesta. Una búsqueda desde lo personal más que una búsqueda para el consenso en lo social. Es poner en materiales visuales, más que en palabras, las emociones y reflexiones de un animal (YO) en relación con otros animales ( los otros animales humanos y no humanos). No es una sustitución o anulación de lo que sé de mí y de los animales desde la biología, es una suma , una construcción, imbricando las fronteras del conocimiento científico y la creación e investigación en las artes. No habrá jerarquías ni supremacías, sí dialogo e infección cruzada de las ideas. 

QUÉ BUSCO; crear en lo visual para entender en lo cognitivo y en lo emocional. CÓMO LO HAGO; reflexionando con el uso de materiales e imágenes que me abran caminos de introspección, me ayuden a plantear mejor las preguntas de qué soy , somos como animales. CUÁNDO LO HAGOes una búsqueda de tiempo completo que se hace más viva en la manipulación de los materiales para la creación, no busco estética, busco creación que hable de la animalidad. DÓNDE LO HAGO, en proceso del estudio-creación, viendo los entornos no como totalidades, observando en la calle, en el laboratorio o en los sueños. POR QUÉ LO HAGO; por dos razones principales, 1. La formación académica que tengo me produce angustia ante su incapacidad para revertir la profunda ignorancia y displicencia humana para la comprensión y preservación de la vida animal, 2. Esta es una búsqueda personal, movido por la insatisfacción, el vacío, de no poder crear en otros campos que no sean los “científicos. PARA QUÉ LO HAGO; para tener sensaciones mas allá del descubrimiento o la teorización, para conocerme mejor desde la creación. Conocer al hombre, conocerme, es para mi la condición básica para entender el reino del cual hemos sido creadores y ahora transterrados. 

 

Preguntas de investigación: 

¿ cómo es el animal que habito? 

¿ cómo nos hemos creado la idea de animal? 

¿ cómo nos han creado los animales? 

 

Al igual que el futuro, mi cuerpo animal no tiene futuro, soy el animal incompleto que desde la cultura se arranca los pelos, la saliva, lo animal, hasta que no queda nada, solo la suposición de que existí o existiré, que soy o seré. Nuestros límites no son ni de espacio ni de tiempo; somos límites, somos fronteras de carne y hueso, no hay más que ideas sin cerebros, y cerebros que son solo discursos. Metáforas que han perdido su destello. Pongamos, pues, los residuos del cuerpo antes que pensemos, hagámoslo con la inocencia del parto o del deseo, no con la complacencia del juicio, no del manual del usuario. Anunciemos que es solo por la mirada del otro que somos posibles, que no hay interdependencia si el cuerpo está solo frente al espejo, que es solo a través de la mirada de ida y vuelta, infinita sucesión del mismo reflejo, silencio y forma, no hay compromiso, no debe haber palabras; mirar bien el cuerpo antes de ponerlo, mirarlo antes de que se desvanezca o cambie o mute o sea idea. Verlo, verlo bien, con los ojos del animal no del discurso, con la mirada del animal, ontología no solo anatomía,  estética no sólo medicina, células solo selfies, arrugas y pliegues sobre pliegues, el cuerpo solo cuerpo, el todo, el uno, múltiple y solo, universo entero. 

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María Jimena Ortiz Benítez

Nací en Xalapa, Veracruz. Estudié Historia del Arte en la Universidad de las Américas Puebla. Actualmente realizo la maestría “Estudios sobre el Arte” en REALIA Instituto Universitario para la Cultura y las Artes a la par que la licenciatura en Psicología por la UV. Fui seleccionada para participar en el salón de Video-Textil en la 7° Bienal de Arte Textil Contemporáneo con el proyecto “Crisálida”. Me gustan las nueces de macadamia, bailar y nadar en mar abierto.

Manuel Napoleón

Estudiante de la carrera en artes visuales por la universidad veracruzana, actualmente se encuentra cursando su último semestre de la licenciatura. Se dedica principalmente a la producción de dibujo y pintura aunque recientemente experimenta con diversos medios. Le interesa trabajar con las consecuencias que generan los pensamientos y aquellas cosas que tienen que ver con la naturaleza del ser humano. Ha participado en diversas exposiciones colectivas en Xalapa, Perote, Altotonga y puebla. Colaboró con la facultad de letras españolas y la universidad veracruzana intercultural como ilustrador para el evento “voces pintadas”. 

Pensar el tiempo 

¿Qué es el tiempo? ¿Cómo pensamos el tiempo? Estas son las preguntas que dieron inicio a este proyecto en proceso y consiste en la producción de diversos trabajos que tiene como punto de partida un posicionamiento específico sobre como pensamos el tiempo. ¿Cómo nos vemos involucrados de manera consciente o inconsciente en el tiempo? Puesto que el tiempo puede llegar a ser algo muy abstracto me valgo de diferentes procesos artísticos para poder generar contenido reflexivo como la pintura, el dibujo, la escritura o el uso de medios digitales ya que me permiten transitar por las diferentes perspectivas que puede tener cada medio en torno a mi investigación.

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María Cas Rose

Estudió Artes Visuales en la FAD, UNAM. Ha desarrollado su práctica artística entorno a el dibujo, la pintura y distintas prácticas corporales como Danza Butoh, Improvisación de Contacto, Movimiento Somático, Meditación, Yoga y Acroyoga, entre otras. Ha sido beneficiaria del ACDAV 2017, del FONCA: Residencias Artísticas 2014 y Jovenes Creadores 2008, así como del PECDA: Creadores 2015 y Jóvenes Creadores 2006. Ha participado en distintas Bienales de Artes, Nacionales e Internacionales. Obtuvo el Premio de adquisición en la lll Bienal Nacional de Arte Visual Universitario, Toluca, México; el Premio de adquisición en la V Bienal de Pintura y Escultura del Sureste, Tuxtla Gtz, Chiapas, así como una Mención Honorífica en la 1a Bienal Internacional de Arte Posmoderno. Córdoba, Ver. México.  Ha desarrollado contenidos temáticos entorno al tema “Arte, Cuerpo y Naturaleza” en talleres y eventos culturales en las Facultades de Danza y Artes Plásticas de la Universidad Veracruzana; en la Red de Organizaciones Culturales no Gubernamentales G.F.U.; en el Yoga Art Festival México, Iztac Multiversidad. Colaboró en talleres para niños, adolescentes y adultos, en el Museo Tamayo Arte Contemporáneo. México.

¿Qué y cómo se puede aprender desde el cuerpo?

Este proceso de investigación se está desarrollando en torno a algunas prácticas corporales y la práctica de la “enseñanza” de éstas. Estamos explorando, en distintas formas de habitar el cuerpo, algunos conceptos como “enraizar” y “volar”, al realizar algunas acciones corporales que son registradas mediantes dibujos y grafismos. Estas exploraciones han sido realizadas desde lo individual a lo colectivo, dentro de un pequeño grupo de practicantes de acroyoga. La reflexión en grupo, el compartir las experiencias, está detonando nuevos procesos de pensamiento y de comprensión del cuerpo que habitamos.
De esta forma también estamos cuestionando y repensando las relaciones jerárquicas enseñanza-aprendizaje. Indagando en formas de aprender, desde el cuerpo, diferentes a cuando el maestro da instrucciones, enseña, explica, tansmite su conocimiento y el alumno recibe, es alumbrado, depende del maestro para comprender. Intentando recuperar confianza en la capacidad del ser humano de aprender por sí mismo.

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